А.И.Хачатурян, С.С.Прокофьев, М.И.Глинка
| Сдавался/использовался | Музыкальная школа, Новомичуринск, 2001г. |
| Загрузить архив: | |
| Файл: ref-8586.zip (32kb [zip], Скачиваний: 153) скачать |
Михаил
Иванович
Глинка
«Так как народная песня всегда была душой русской
музыки, то для нас теперь неразрывно спаянная с ней напевная и задушевная музыка Глинки звучит одинако-во, как родное былое и вместе с тем настоящее… Поэтому Глинка, как и народное песенное творчество, - поистине живой родник всей русской музыки».
Б. В. Асафьев.
В ряду великих русских композиторов, составляющих славу и гордость русской музыки, немеркнущим светом сияет имя Михаила Ивановича Глинки. Он первым глубоко и разносторонне выразил в музыке душу русского народа. Разнообразное по жанрам вокальное творчество Глинки – бесценный вклад его в область русской романсово-песенной лирики. Первым из русских композиторов он достиг высокого слияния музыки и текста в единое поэтическое целое. Охватывающее широкий круг человеческих переживаний, облачённое в гармонически стройную форму, оно созвучно лирическим стихотворениям Пушкина, и не случайно лучшие из романсов Глинки сочинены были именно на стихи великого русского поэта.
«Во многих отношениях Глинка, - писал В. В. Стасов, - имеет в русской музыке такое же значение, как Пушкин в русской поэзии. Оба великие таланты, оба родоначальники нового русского художественного творчества – оба глубоко национальные, черпавшие свои великие силы прямо из коренных элементов своего народа, оба создали новый русский язык – один в поэзии, другой в музыке».
Михаил Иванович родился в 1804 году в селе Новоспасском в семье помещика. С раннего возраста полюбил народную песню.Глинка любил крепостной оркестр дяди, где он играл на скрипке и на флейте. Исполнял народные пьесы и западные.Позже стал учиться на фортепиано. С 1812 года учился в благородном пансионе для детей дворян в Петербурге. Здесь формировалась личность Глинки. Он познакомился с Пушкиным и полюбил его творчество. Брал уроки по фортепианоу Джона Фильда, потом у его ученика Майера. Посещал концерты, оперу. ЗналГлюка, Моцарта, Россини. Летом Глинка работал с оркестром дяди.
В двадцать лет Глинка сочинил романс «Моя арфа». Автор считал его «неудачной попыткой» и прозвал его «допотопным», так как написал его до 7 ноября 1824 года, дня страшного наводнения в Петербурге.
Свой первый «удачный» романс Глинка написал только зимой следующего, 1825 года. Действительно, романс «Не искушай» - одно из лучших, проникновенных по музыке сочинений. В том же году, трудясь «с большим напряжением», он написал первый струнный квартет (дошедший до нашего времени не полностью) и работал над сонатой для альта и фортепиано, не завершив её. Впрочем, он полагал, что в этих сочинениях «мало толку».
«Романтическим устройством» натуры Глинки объясняется его тогдашнее стремление мечтать в сумерках за фортепиано и пристрастие к элегическим стихам Жуковского, трогавшим композитора до слёз. Отзвуком такого состояния его духа родились тогда печальные романсы на слова этого поэта «Светит месяц на кладбище» и «Бедный певец».
Весной 1828 года А. С. Грибоедов сообщил Глинке мелодию одной грузинской народной песни, на основе которой композитор написал один из лучших своих романсов «Не пой, красавица, при мне» на стихи А.С. Пушкина. В следующем году стараниями Глинки и Н. И. Павлищева, зятя А. С. Пушкина, «явился в свет» «Лирический альбом на 1829 год». В нем среди малозамечательных пьес друзей Глинки появилось два романса молодого композитора и в числе их «Память сердца» - одно из привлекательнейших по теплой искренности мелодики его сочинение тех лет.
Три года (1830 – 1833 гг.), проведенные Глинкой в Италии, стали временем окончательного созревания его таланта, годами вдумчивого труда. Здесь новыми чертами обогатилось его мелодическое дарование. Глубокую красоту итальянской лунной ночи Глинка гениально передал в своей баркароле – романсе «Венецианская ночь», исполненном трепетного чувства радости жизни. Кроме «Венецианской ночи» на стихи И. И. Козлова Глинка написал тогда еще два романса на стихи В. А. Жуковского и Феличе Романи.
В свое пребывание в Москве (1834 год) Глинка слушал сочинения местных композиторов и сам написал романс «Не называй ее небесной» на слова московского литератора Н. Ф. Павлова. Но самой важной была в то время мысль о написании русской оперы «Иван Сусанин».
В пору расцвета (1837 год) для своей «милой ученицы» Каролины Колковской в театральной школе Глинка сочинил полный любовного томления и проникновенной печали романс «Сомнение».
Глинка иногда и сам пел свои романсы. Его высокий голос не обладал красивым тембром, но, как вспоминал А. Н. Серов, «могуче-гениальный, как творец музыки, он был столь же гениален и в исполнении вокальном», поэзию которого Серов назвал «непередаваемой»!
28 марта
Работа над оперой «Руслан и Людмила» чередовалась у композитора с осуществлением и других его музыкальных намерений. К тому же творчески необычайно плодотворному 1840 году относится и сочинение «гармонической галереи романсов» - цикла «Прощание с Петербургом» (на стихи Нестора Кукольника). В него вошли такие «исполненные жизни, правды и увлечения» (по отзыву «Художественной газеты» от 1 сентября того же года) или лирические пьесы, как «Рыцарский романс», «Баркарола», «Жаворонок», «О дева чудная моя». Входила в цикл и своего рода прощальная «Попутная песня».
С 1844 по 1847 – «годы странствий»: Франция, Испания. Зимой 1847 – 1848 года в Смоленске Глинка пишет несколько фортепианных пьес и два романса. Первый из них, «Милочка», - светлое воспоминание об Испании (для него композитор взял мелодию хоты, услышанную им в Вальядолиде). Второй, «Ты скоро меня позабудешь» на слова молодой поэтессы Юлии Жадовской, - печальное обращение к любимому существу, полное глубокой любви и покорности перед неизбежным концом, стал новым шагом в развитии вокально – декламационного стиля Глинки.
Уединенная, творчески сосредоточенная жизнь композитора прекратилась в конце января 1848 года. «Суматошная жизнь» Петербурга после тихого Смоленска скоро привела Глинку в отчаяние и он в ожидании заграничного паспорта спешно уехал в Варшаву. В польской столице, в пору творческого подъема лета и осени 1848 года, Глинка сочинил замечательные романсы: «Слышу ли голос твой» (на слова М. Ю. Лермонтова), «Заздравный кубок» (на стихи А. С. Пушкина), шутливо посвященный им «Вдове Клико», иначе говоря, шампанскому вину, и лучший из них – «Песнь Маргариты» (на слова И. В. Гете); по образной глубине и силе трагической выразительности эта песня-романс примыкает уже к вокальной лирике последнего периода глинкинского творчества.
В ноябре 1844 года Глинка возвратился в Петербург, а весной вновь вернулся в Варшаву. Но этот двухлетний период не был столь плодотворным, хотя было написано несколько новых романсов: осенью 1849 года Глинка посвятил Эмилии Ом романс«Rozmowa» («Беседа») на слова польского поэта А. Мицкевича, затем последовало сочинение романсов «Адель» и «Мери» на стихи А. С. Пушкина, а также и другие произведения.
В начале 1856 года Глинка сочинил свой последний романс «Не говори, что сердцу больно» на стихи своего давнего московского знакомого Н. Ф. Павлова (тот «на коленях» вымолил у него музыку на свои слова). «В них обруган свет, значит, и публика, что мне по нутру», - заметил Глинка в одном из писем к Нестору Кукольнику. Его раздражение было вполне понятно: отношение официальных кругов к музыке Глинки оставалось по-прежнему неприязненным. Много неприятностей доставляло и развязное обращение с текстом романсов Глинки при их публикации издателем-дельцом Стелловским. Но самым огорчительным для композитора были идейно враждебные ему и общему направлению зарождавшейся русской национальной школы самодовольно малограмотные рассуждения критиков о его сочинениях. Здоровье Глинки слабело и в феврале 1857 года великий композитор умер.
Использованная литература: Энциклопедический словарь, 1980г.
Арам
Ильич
Хачатурян
Арам Ильич Хачатурян родился 6 июня 1903 года в Тбилиси в семье переплетчика. Его мать любила петь народные армянские песни, и эти напевы глубоко запечатлелись в душе ребенка. Незабываемое впечатление оставило искусство народных певцов-агушев, в исполнении которых звучали песни Азербайджана, Грузии, Армении.
Приход агуша в село или город становилось для населения большим праздником. Выступления певцов происходили обычно на площади, где собиралось множество народа. Под аккомпанемент саза или тара они вели свои нескончаемые рассказы про старину: это были песни о героях, о влюбленных.
Под впечатлением услышанных народных мелодий мальчик забирался на чердак дома и часами выстукивал полюбившиеся ему ритмы на медном тазу. «Это моя первоначальная "музыкальная деятельность",- рассказывал Хачатурян,- доставляла мне неописуемое наслаждение, родителей же приводило в отчаянье…»
Материальное положение семьи было настолько стесненным, что о музыкальном образовании Арам не мог и мечтать. Поэтому появление в доме плохонького, приобретенного за гроши пианино стало для мальчика большим событием. Сначала одним пальцем, а затем с примитивным аккомпанементом он стал подбирать по слуху мелодии народных песен и танцев. «Тогда я совсем осмелел,-вспоминал Хачатурян,- и начал варьировать знакомые мотивы, присочинять новые. Помню, какую радость доставляли мне эти – пусть наивные, смешные, неуклюжие,- но все же первые мои попытки композиции».
Когда Араму исполнилось 10 лет, он поступил в коммерческое училище. Самостоятельно научившись играть на духовых инструментов, он участвовал в любительском духовом оркестре. В 16 лет Хачатурян впервые попал в оперный театр, где услышал оперу «Абесалом и Этери» классика грузинской музыки Захария Палиашвили. Впечатление было столь сильным, что мечта учиться музыке становится неотступной.
Наконец в 1921 году в судьбе юноши наступил перелом. В Тбилиси приехал его старший брат Сурен Хачатурян, режиссер Московского Художественного театра. Заметив влечение Арама к музыке, Сурен Ильич взял его с собой в Москву.
Годы учения.
В возрасте 19 лет юноша держал экзамен в Московский музыкальный техникум имени Гнесиных. У него не было даже элементарной подготовки. Выручили отличный слух, музыкальность, прекрасная память. Увидев находившуюся в классе виолончель, Арам заявил, что хотел бы учиться «на этой большой скрипке»! Елена Фабиановна и Михаил Фабианович Гнесины, опытные педагоги, сразу же распознали в юноше природное дарование. И вот начались годы учения- большого, настойчивого труда, сомнений, успехов, разочарований.
В начале Хачатурян учился играть на виолончели и фортепиано. Но скоро становиться ясно, что основное его призвание-композиция. В лице Михаила Фабиановича он нашел чуткого педагога, сумевшего быстро развить его природные способности.
Уже в техникуме начинающий композитор написал «Танец» для скрипки с фортепиано и «Поэму» для фортепиано. Эти произведения были изданы и имели успех.
С 1929 по 1934 год Хачатурян учится в Московской консерватории. По классу сочинения он занимается у Михаила Фабиановича Гнесина, а позднее
у Н.Я. Мясковского. Теперь все свое внимание он отдает творчеству. В эти годы он пишет «Токкату» для фортепиано, трио для кларнета, скрипки и фортепиано, «Танцевальную сюиту» для симфонического оркестра.
Уже здесь проявились черты, ставшие типичными для более зрелых его произведений. Прежде всего, это певучие мелодии народного характера, сочные, свежие гармонии, праздничная оркестровка. Самобытность и оригинальность таланта Хачатуряна теперь начинает признаваться не только музыкантами. Известность его быстро растет и среди широких масс слушателей.
В качестве дипломной работы молодой композитор представил первую симфонию, посвященную Советской Армении. Хачатурян блестяще оканчивает консерваторию. Его имя занесено на Доску почета. В дальнейшем он совершенствует свое мастерство, занимаясь в аспирантуре. «Энергичный, порывистый, увлекающийся, не очень организованный, но бесконечно преданный любимому искусству»- таким запомнился друзьям –современникам Арам Хачатурян тех лет.
Начало самостоятельного пути.
После окончании консерватории композитор много и упорно работает над своими новыми сочинениями. Он обращается к различным жанрам. Среди созданного на протяжении 30-х годов наиболее удачным оказались балет «Счастье», фортепианный и особенно скрипичный концерты. Заслуженную популярность завоевала музыка Хачатуряна к драматическим спектаклям («Валенсианская вдова», «Маскарад») к кинофильмам («Пэпо», «Зангезур»). Активно включается Хачатурян и в общественную жизнь станы, выполняет ответственную работу в Союзе композиторов.
Фортепианный концерт закончен композитором в 1936 году. Его первым исполнителем был выдающийся советский пианист Лев Оборин, которому он и посвящен. Концерт имел большой успех. В нем проявилась склонность композитора к виртуозному блестящему стилю. Еще ярче стали краски гармонии, острее и выпуклее ритмы, выразительнее мелодия.
В 1940 году Хачатурян создает одно из своих наиболее значительных произведений- скрипичный концерт. Здесь творческий облик композитора раскрылся во всей своей полноте. Концерт посвящен его первому исполнителю - известному советскому скрипачу Давиду Ойстраху. За выдающееся произведение он удостоен Государственной премии СССР.
Весну и лето
В том же году спектакль был показан в Москве в Большом театре в дни декады армянского искусства. Балет понравился слушателям выразительностью народных мелодий, красочностью нарядной оркестровки. Но были и серьезные недочеты. Композитор решает коренным образом переработать балет.
Спустя два года Хачатурян пишет музыку для спектакля «Маскарад» (по драме Лермонтова) в театре им. Евгения Вахтангова. Несколько позже отдельные музыкальные номера были изданы в виде симфонической сюиты. Особенно полюбился слушателям «Вальс». Взволнованная, полная тревоги музыка «Вальса» связанна с трагической судьбой героини «Маскарада».
Годы войны.
Наступила Великая Отечественная война. В военные годы Хачатурян
создаетпесни «Капитан Гастелло», «Слава нашей Отчизне», марш для духового оркестра «Героям Отечественной войны» и другие.
Из произведений крупных жанров появляются балет «Гаяне» и вторая симфония. Премьера балета «Гаяне» состоялась в 1942 году в Перми, куда был эвакуирован Ленинградский оперный театр имени С.М. Кирова. Спектакль прошел с огромным успехом. Сюжет «Гаяне» развивается драматически-напряженно. Герои балета- колхозники и бойцы Советской Армии. Их счастье неотделимо от благополучия всего советского народа. В трудной борьбе со злом и несправедливостью обретает свое личное счастье и Гаяне. Она разоблачает виновников поджега складов с колхозным хлопком (среди которых и муж Гаяне), за что едва не расплачивается жизнью. Балет заканчивается народным праздником. Радостно и Гаяне, найдя свое личное счастье в новой семье.
В «Гаяне» композитор использовал лучшие номера из балета «Счастье», как и первый балет, «Гаяне» отличается обилием мелодичных тем, основанных на народных интонациях и ритмах. Так, во втором действие звучит «Колыбельная» (Гаяне убаюкивает свою маленькую дочь). Тепло и нежно льется печальная, лирическая мелодия у флейты. А в сопровождение мерно повторяется один и тот же звук ре у фагота и арфы, которому вторит «эхо» колокольчиков, создавая мягкий, «мерцающий» фон.
Грациозен, полон восточной неги «Танец Айши» (подруги Гаяне), открывающий собой третье действие. Плавная мелодия сначала звучит у скрипок. А затем разукрашивается звуковыми узорами других инструментов.
Особенно широкую известность получил огненно-темпераментный «Танец с саблями» (4 действие). Его отличают стремительный темп, острый ритмический рисунок, яркая оркестровка. Переложенный для самых различных инструментов и составов, «Танец» стал излюбленным номером в концертных программах. За балет «Гаяне» композитору в 1943 году была присуждена Государственная премия СССР, которую он внес в Фонд Вооруженных Сил Советского Союза. В 1957 году создана вторая редакция балета на новый сюжет.
Вторая симфония получила название «Симфония с колоколом». Она передает переживания советских людей в годы войны. В четырех частях симфонии отражены страдания, скорбь по погибшим, воспоминания о счастье и радости, предчувствие грядущей победы.
Хачатурян ввел в состав оркестра колокол, и это имеет глубокий смысл. Мрачно и сурово звучит он в начале симфонии, а в финале – ликующе и победно. Написанная и исполненная в разгар военных событий в 1943 году, симфония вселяла уверенность и светлые надежды в сердца людей.
В 1944 году Хачатурян пишет Государственный гимн Армянской ССР.
Послевоенный период.
В послевоенные годы музыкальная деятельность композитора значительно расширяется. Начиная с 1950 года он-профессор по классу композиции в Московской консерватории и Институте имени Гнесиных. Хачатурян – педагог главное внимание уделял развитию творческой индивидуальности будущих композиторов, национальной природы их дарования. Из его класса вышли такие известные композиторы, как А. Эшпай, Р. Бойко, Э. Оганесян, М. Таривердиев и другие. Хачатурян является автором ряда статей по вопросам музыкального искусства: “Как я понимаю народность в музыке”, “О творческой смелости и вдохновении", "Десятая симфония Д.Шостаковича", "Радость творчества".
В 1950 году началась дирижерская деятельность композитора. Первый концерт, где дебютировал Хачатурян-дирижер, состоялся в Москве в Доме ученых. Под управлением автора прозвучали сцены из балета «Гаяне» и финал скрипичного концерта. Композитор посещает с концертами многие города Советского Союза. С большим успехом его выступления проходят и за рубежом. Но сочинение по- прежнему остается главной целью его жизни.
Появляется целый ряд его песен о дружбе народов, о мире. Много музыки Хачатурян пишет для кинофильмов («Русский вопрос», «Сталингадская битва», «Владимир Ильич Ленин», «У них есть родина» и другие), для драматических спектаклей («Лермонтов» Б.Лавренева, «Макбет» и «Король Лир» У.Шекспира).
В 1946 году Хачатурян заканчивает концерт для виолончели с оркестром и посвящает его первому исполнителю Святославу Кнушевицкому, выдающемуся советскому виолончелисту. К 30-летию Великого Октября создана «Симфония-поэма» (симфония №3).
Капитальное произведение послевоенного периода - балет «Спартак», законченный в 1954 году. Впервые он был поставлен на сцене Ленинградского театра имени С.М.Кирова в 1956 году, а в Большом театре в Москве - двумя годами позже. В постановке Ю. Григоровича балет возобновлен в 1968 году. Из отдельных номеров балета в 1960 году композитор создал 4 сюиты, куда вошли наиболее значительные фрагменты.
Хачатуряна привлек образ человека, возглавившего беспримерное в истории Древнего мира восстание рабов. В героическом сопротивлении угнетенных композитор увидел много общего с современной борьбой народов за свою независимость.
Вот как пишет об этом сам автор: «… Сочиняя музыку своего балета, стремясь мысленно постигнуть атмосферу Древнего Рима я всегда ощущал духовную близость Спартака к нашей эпохе, нашей борьбе против всяческой тирании, борьбе угнетенных народов против империалистов-агрессоров».
В четырех действиях балета композитор показал столкновение основных противоборствующих сил-Спартака, гладиаторов и враждебного им аристократического мира римских патрициев во главе с Марком Лицинием Крассом. Противопоставление контрастных образов дано уже в прологе к балету. Пленные фракийцы влекут колесницу полководца-триумфатора. Тяжеловесно, с мрачной торжественностью звучит марш победителей. Это тема Рима- могущественного, властного и жестокого. Теме Рима противопоставляется героическая тема Спартака. Обе темы пролога проходят через все произведение. В 1959 году за балет «Спартак» Хачатуряну была присуждена Ленинская премия.
Позднее творчество.
На протяжении 60-70 –х годов сочинены 3 концерта-рапсодии
(для скрипки, для виолончели и для фортепиано-с оркестром). Композитор вновь возвращается к жанрам камерной инструментальной музыке: он сочиняет сольные «Сонату-фантазию» для виолончели, «Сонату-монолог» для скрипки и «Сонату-песню» для альта.
С первых же послевоенных лет получила особый размах общественно-музыкальная деятельность Хачатуряна. Совместно с другими советскими музыкантами композитор побывал во многих странах мира. Свои концертные выступления он сочетал с беседами, докладами о советской музыкальной культуре, что служило еще большему укреплению дружественных связей между Советским Союзом и другими странами. Об этой почетной и важной задаче Хачатурян писал:
«Я верю, что все крупные, мыслящие художники, все подлинно талантливые музыканты мира не только сочувствуют основным принципам демократического искусства, которые отстаиваем мы, но и готовы следовать им. И наш долг-помочь успеху этого дела, помочь сплочению всех прогрессивных музыкальных сил мира вокруг великой и благородной цели создания музыки, достойной своего народа, воспевающей светлое будущее человечества».
Лауреат Государственных и Ленинской премий, Арам Ильич Хачатурян был награжден орденом Ленина, является Героем Социалистического Труда. Композитору присвоено почетное звание народного артиста СССР.
А.И. Хачатурян умер 1 мая 1978 года.
Используемая литература:
Советская музыкальная литератураИ.Прохоров, Г.Скудина. 1989г.
Сергей
Сергеевич
Прокофьев
Сергей Сергеевич Прокофьев родился 23 апреля 1891 года в Сонцовке Екатеринославской губернии (теперь село Красное Красноармейского района Донецкой области). Отец его - Сергей Алексеевич - был учёным агрономом, управляющим в имении помещика Сонцова. От него передалась сыну любовь к природе. Среди детских рукописей Серёжи Прокофьева сохранилась тетрадка, в которой мальчик отмечал, когда какие цветы расцветают в Сонцовке.
Музыку он слышал в доме с самого рождения. Мать Мария Григорьевна играла сонаты Бетховена, мазурки и ноктюрны Шопена, пьесы Чайковского. В пять с лишним лет Серёжа уже сочинил фортепианную пьеску под названием "Индийский галоп". Вскоре появились и другие сочинения.
Мальчику было девять лет, когда его привезли в Москву и он впервые попал в оперный театр. Вернувшись в Сонцовку, он начал писать оперу "Великан" на собственный сюжет.
Образованием Серёжи вначале занимались его родители, которые были просвещёнными, интеллигентными людьми, умными и строгими воспитателями. Они приучили его к сосредоточенному и систематическому труду. Отец приучил сына русскому языку, арифметике, географии, истории, ботанике. Мать - Иностранным языкам (с детства Сергей Сергеевич знал два языка - французский и немецкий, позже английский). Мария Григорьевна была и его первой учительницей музыки. Увидев успехи сына, она решила показать его какому-нибудь крупному музыканту.
Зимой 1902 года его привезли в Москву к Сергею Ивановичу Танееву - выдающемуся композитору, профессору Московской консерватории. Отметив дарование мальчика, Танеев посоветовал начать с ним серьёзные занятия гармонией и систематическое ознакомление с музыкальной литературой. По рекомендации Танеева в Сонцовку на лето прибыл молодой музыкант, окончивший Московскую консерваторию с золотой медалью. Это был Рейнгольд Морицевич Глиэр, впоследствии известный советский композитор, автор балетов "Красный мак", "Медный всадник", концерта для голоса с оркестром и других сочинений.
Живые, интересные занятия с Глиэром оказались благотворное влияние на развитие таланта Прокофьева.
Под руководством учителя он стал вскоре писать симфонию и оперу "Пир во время чумы" по Пушкину. Глиэра поразило в его ученике удивительное сочетание взрослого профессионально-серьёзного отношения к музыке, самостоятельности суждений и - совершенно детских черт. Так, на пюпитре у двенадцатилетнего Серёжи Прокофьева, сочинявшего оперу или симфонию, стояла резиновая кукла по имени Господин, которая должна была слушать новое сочинение.
Сильнейшим увлечением будущего автора прославленных опер и балетов был театр. Со своими друзьями - сонцовскими мальчиками и девочками - он постоянно придумывал и разыгрывал представления, на которых присутствовали обитатели дома в Сонцовке.
Уже в детстве Прокофьев обнаружил редкую наблюдательность и разнообразие интересов (литература, театр, шахматы). Любопытно его мальчишеское увлечениежелезной дорогой, быстрым и точным движением. Одним из удивительных свойств творчества взрослого композитора Прокофьева станет стремительность, динамичность, через которую он передаст своё новое ощущение жизни, её молодости, её движения.
В 1904 году, по совету Глазунова, светловолосый тринадцатилетний мальчик пришёл на экзамены в Петербургскую консерваторию. Экзамен вёл Н. А. Римский-Корсаков. "Это мне нравится !" - весело воскликнул он, увидев Прокофьева, сгибавшегося под тяжестью двух папок, где были сложены его сочинения (четыре оперы, две сонаты, симфония и довольно много фортепианных пьес). Приёмная комиссия (в её состав входили А. К. Глазунов и Н. А. Римский-Корсаков) была восхищена абсолютным слухом и умением читать с листа.
Серёжу приняли, и жизнь его круто изменилась. Вместо вольного степного простого украинского села Сонцовки, в котором он родился и провёл детство, хмурый Петербург, где предстояло серьёзно и долго учиться.
Прокофьев учился в консерватории у замечательных русских музыкантов: Анатолия Константиновича Лядова (гармония, контрапункт), Николая Андреевича Римского-Корсакова (инструментовка).
В консерваторские годы обогатилась и развились его музыкальные вкусы. К любимым с детства Бетховену и Чайковскому прибавились Григ, Вагнер, Римский-Корсаков, Скрябин, Рахманинов. Он познакомился с сочинениями современных западноевропейских композиторов - Р. Штрауса, Дебюсси.
Интерес к изучению классической и современной музыки, а также к творчеству друг друга сблизил Прокофьев с Николаем Яковлевичем Мясковским. Дружба, начавшаяся в годы их совместного учения в Петербургской консерватории, продолжалась в течение всей жизни.
Прошло несколько лет. Музыкальные сочинения Прокофьева поражали слушателей, вызывали жаркие споры. Всё, что он написал, было новым по манере и по содержанию - молодым, задорным, смелым.
Окончив в 1904 году консерваторию, Прокофьев много лет выступал как пианист во Франции, Испании, Англии, Америке, Японии, на Кубе и во многих европейских странах. Повсюду композитор играл свои сочинения, а его новые оперы и балеты исполнялись в разных городах мира. Так, в1921 году в Чикаго состоялась премьера весёлой, блестящей оперы Прокофьева "Любовь к трём апельсинам" (по сказке итальянского писателя Карло Гоцци). В том же году композитор закончил третий концерт для фортепиано. Самые лучшие сочинения Прокофьева тех лет были посвящены Родине. Русские мелодии звучат в пьесах для фортепиано "Сказки старой бабушки", в которых оживают воспоминания детства и герои народных сказок. Тоска по Родине становилась всё острее. "В ушах моих должна звучать русская речь, я должен говорить с людьмимоей плоти и крови, чтобы они вернули мне то, чего мне здесь недостаёт: свои песни, мои песни", - писал Прокофьев.
В середине 20-х годов Прокофьев с огромной радостью откликнулся на предложение С. П. Дягилева написать балет на тему о строительстве новой жизни в России. Сюжет балета, названного "Стальной скок", оказался наивным, "индустриальным". "Прокофьев путешествует по нашим странам, но отказывается мыслить по-нашему", писали зарубежные газеты о премьере балета, поставленного в Париже и Лондоне в 1927 году.
За границей Прокофьев встречался со многими выдающимися деятелями искусства (композиторами Равелем, Стравинским, Рахманиновым, дирижёрами Стоковским и Тосканини, киноартистом Чарли Чаплином и многими другими). Но атмосфера лихорадочной художественной жизни Парижа 20-х годов не удовлетворяла его. "Я должен вернуться. Я должен снова вжиться в атмосферу родной земли... В ушах должна звучать русская речь... Здесь я лишаюсь сил."
И наконец он снова дома. Прокофьев вновь встречается со своими друзьями Мясковским и Асафьевым. Начинает работать вместе с советскими режиссёрами, балетмейстерами, писателями. Его увлекают задача воплощения высоких идей, человечности, возможность обращения не к узкому кругу "ценителей", а к огромным массам народа.
Композитор много и увлечённо работает, создавая одно прекрасное произведение за другим. Они различны по темам, времени действия, характерами героев. Но во всех них есть нечто общее. Всюду композитор сталкивает лицом к лицу светлые образы и образы жестокости и насилия. И всегда утверждает победу высоких человеческих идеалов. Смелость, присущая Прокофьеву-композитору, поражает во всех этих сочинениях.
В 1935 году создан балет "Ромео и Джульетта" (по трагедии Шекспира). Герои его отстаивают свою любовь в борьбе с кровавыми средневековыми предрассудками, повелевающими им ненавидеть друг друга. Трагическая смерть Ромео и Джульетты заставляет примириться враждующие издавна семьи Монтекки и Капулети.
До Прокофьева крупные музыканты, писавшие балетную музыку, не решались обращаться к шекспировским трагедиям, считая, что они слишком сложны для балета. А Прокофьев создал произведение, проникнутое духом Шекспира. Поэтичная, глубокая, содержащая реалистические, психологически точные портреты действующих лиц "Ромео и Джульетты" дала возможность балетмейстеру Л. Лавровскому поставить балет, который приобрёл мировую славу (премьера балета состоялась в 1940 году в Ленинградском государственном академическом театре оперы и балета имени С. М. Кирова).
Прокофьев пишет музыку не только для театра, но и для кино. Например, Александр Невский (1938 год). Вместе с кинорежиссёром Сергеем Эйзенштейном Прокофьев воспевает благородный патриотический подвиг дружины Александра Невского, защищавшей родную земля от тевтонских завоевателей. Сюжет исторический, но музыка звучит современно, словно предвосхищая острый драматизм и победный исход битвы советского народа с фашизмом.
В 1939 году написана опера "Семён Котко" (по повести В. Катаева "Я сын трудового народа"). Действие её происходит на Украине в1918 году. Музыка Прокофьева с удивительной правдивостью рисует образы крестьян, солдат, большевиков, борющихся за установления Советской власти на Украине.
В своих произведениях советского периода композитор особенно стремился к ясности, доступности, простоте.
Специально для детей, на собственный текст, Прокофьев сочинил симфоническую сказку "Петя и Волк". Каждый персонаж здесь обрисован мелодией, исполняемой определённым инструментом оркестра или группой инструментов: Птичка - флейтой, Утка - гобоем, Волк - валторнами, а Петя - целой группой струнных инструментов.
Удивительна работоспособность Прокофьева. Он писал фантастически быстро и мог работать сразу над несколькими сочинениями. Выступал с исполнением своей музыки как пианист и дирижёр. Участвовал в работе Союза композиторов. Интересовался литературой. В конце 30-х годов начал писать живую и остроумную "Автобиографию". Был отличным шахматистом. С увлечением водил автомобиль. Любил танцевать, быть среди людей.
Главной работой композитора в годы Великой Отечественной войны была грандиозная патриотическая опера "Война и мир". Прокофьев и раньше задумывался над тем, чтобы воплотить в музыке образы великого произведения Льва Толстого. В дни войны с фашизмом этот замысел получил осуществление. Вновь поставил перед собой композитор задачу редкой сложности. Из огромного литературного произведения нужно было отобразить самые важные сцены. В оперу вошли, с одной стороны, тонкие психологические "мирные" сцены, в которых участвуют Наташа Ростова, Соня, князь Андрей, Пьер Безухов; с другой - монументальные картины, рисующие борьбу народа с наполеоновскими захватчиками. Опера получилась необычной по жанру. В ней сочетаются лирико-психологическая драма и национальная эпопея. Новаторская по музыке и по композиции, опера развивает вместе с тем традиции русских классиков - Мусоргского и Бородина. С Мусоргским Прокофьева сближает особое внимание к психологической характеристике героев, раскрываемой через правдивую вокальную интонацию. Интересно, что опера "Война и мир" написана не на условный стихотворный текст либретто, а подлинный текст романа. Прокофьеву важна была сама интонация толстовской речи, которую он сумел передать в музыке. И это придаёт особенную достоверность вокальным партиям героев оперы.
"Война и мир" - любимое сочинение Прокофьева. Он совершенствовал его до конца своей жизни.
В победном 1945 году увидели свет три значительных произведения композитора:
ü пятая симфония, посвящённая "величию человеческого духа";
ü первая серия кинофильма "Иван Грозный" - новая совместная работа с Сергеем Эйзенштейном;
ü светлый сказочный балет "Золушка". Этот спектакль, поставленный осенью, был первой послевоенной премьерой в Большом театре.
В последующие годы появилось ещё несколько новых работ. Среди них: опера "Повесть о настоящем человеке" (по одноимённой книге Б. Полевого), прославляющая мужество советских людей в годы войны; балет "Сказ о каменном цветке" (по П. Бажову) - о радости творчества, обращённого к народу; оратория "На страже мира" (на слова С. Маршака); концерт-симфония для виолончели с оркестром.
Снова Прокофьев пишет для детей. Сюита "Зимний костёр" для чтецов, хора мальчиков и симфонического оркестра (на слова С. Маршака) посвящена советским пионерам.
Седьмая симфония была задумана вначале как симфония специально для детей, но в процессе работы приобрела более широкое значение - мудрой симфонической сказки, утверждающей красоту и радость жизни. Это последнее законченное произведение Прокофьева.
В конце 40-х - начале 50-х годов Прокофьев тяжело заболел. Чтобы сохранить силы для творчества, ему пришлось отказаться от многого, и в том числе от посещения театров и концертов.
Самое трудное время наступало для него тогда, когда врачи запрещали ему сочинять музыку или разрешали работать не более 20 минут в день.
Большую часть времени в эти годы Прокофьев проводил на своей даче на Николиной горе на берегу Москвы-реки. Он очень любил эти места, совершал далёкие прогулки (если позволяло здоровье). Сюда приезжали к нему музыканты - почитатели и исполнители его музыки: композитор Д. Кабалевский, пианист С. Рихтер и другие. Некоторые из них написали впоследствии интереснейшие воспоминания о великом композиторе.
Умер С. С. Прокофьев в Москве 5 марта 1953 года.
Используемая литература:
1.БСЭ 1985г
2.Известные персоны России (ссылки ин-нета).