Методическая разработка сценария концерта SOLO-для двоих
ВСТУПЛЕНИЕФортепианный дуэт стал одной из важнейших примет расцвета светской культуры 13-19 веков, которая достигла новых высот в искусстве общения, диалога, галантного стиля поведения. основу фортепианного ансамбля составляет музыкальный диалог двух исполнителей, равных собеседников и просто радость общения двух увлечённых искусством людей.
Кстати, фортепианный концерт как жанр, представляют два направления исполнительского искусства: фортепианный дуэт ( исполнители за одним инструментом) и фортепианный ансамбль(два исполнителя за двумя инструментами). И если раньше они были чётко разграничены, то сегодня представляют собой мега-жанр, вобравший в себя стилистические признаки и дуэтного и ансамблевого музицирования.
История ансамбля двух клавиров восходит к эпохе барокко. клавиры этого периода обладали слишком маленькой клавиатурой для игры в 4 руки. Два исполнителя за двумя инструментами существенно повышали уровень громкости, обогащали регистровые краски, а добавление педали активировало звучание обертонов. Расширение диапазона, красочности позволяло использовать ансамбль двух клавиристов в качестве мини-оркестра для исполнения масштабных концертных сочинений. Кстати, именно в этот период композиторы стали использовать такой интересный приём, как звукоподражание и звукоизобразительность, когда средствами клавира воспроизводились голоса и звуки природы или звуковые особенности других инструментов. Наш концерт открывает оригинальная обработка кюя Курмангазы «Балбраун».
№2 «Кармен» — один из шедевров мирового оперного искусства. Музыка, полная жизни и света, ярко утверждает свободу человеческой личности. Герои оперы обрисованы сочно, темпераментно, во всей психологической сложности характеров. С большим мастерством воссоздан национальный испанский колорит и обстановка действия драмы. Сила оптимизма «Кармен» — в неразрывной внутренней связи героев и народа.
Автором концертной сюиты на темы сегедильи и хабанеры из оперы «Кармен» Ж.Бизе стал Арон Соломонович Бубельников, профессор Ленинградской консерватории, оперный дирижер и воспитатель молодых вокалистов. Большую часть своего досуга он отдавал фортепиано — инструменту, которому был верен всю свою жизнь. А. С. Бубельников прошел основательную фортепианную школу в консерваторском классе профессора П. А. Серебрякова. И хотя ему не суждено было стать концертирующим пианистом, в области аккомпанемента он всегда слыл тонким и виртуозным ансамблистом. Несомненным свидетельством его преданности фортепиано явились концертные переложения для двух фортепиано различных симфонических и вокальных произведений. Концертный парафраз для двух фортепиано на темы оперы Ж. Бизе «Кармен», мастерски сочиненный Ароном Соломоновичем Бубельниковым, стал последней работой музыканта. Ею завершается целый ряд очень тонких, мастерских, виртуозных и самобытных работ, написанных А. Бубельниковым для фортепианного ансамбля и предназначенных не только для учебной работы в классе, но и, в большей мере, для звучания с концертной эстрады.
Концертная сюита для двух фортепиано на темы оперы Ж. Бизе «Кармен» Хабанера. Сегидилья.
№3
Произведение, которое сейчас прозвучит - это и глубокий философский роман, и тонкая психологическая драма, и захватывающий детектив. Его герои грешат и ищут прощения, они жертвуют собой и отрекаются от себя ради ближних. Главная героиня романа решается на убийство, чтобы доказать себе и миру, что она не "тварь дрожащая", а "право имеет". Это философское произведение, ставящее перед слушателем важнейшие вопросы о смысле жизни, о роли фатума. Однако это еще и любовный роман, увлекательный, волнующий и трагический. С полным основанием можно сказать, что сейчас вы услышите непревзойденное произведение мировой драматургии, подлинный ее шедевр.
обр. Назарова «Про кузнечика»
№4
Период 18-19 век принято считать «золотым веком» фортепианного дуэта. Во-первых, появилось молоточковое фортепиано с расширенным диапазоном, предоставляющее более комфортные условия совместной игры.
Во-вторых, в 19 веке начинается повсеместное увлечение мультиклавирными ансамблями. В Европе мода на «инструментальные действа» началась с «музыкальных праздненств» Г.Берлиоза. Однажды он собрал оркестр из 465 музыкантов. Среди которых было 30 фортепиано. Конечно же, подобные концерты отражали моду музыкальной жизни европейских столиц того времени , моду на виртуозность, поражающие зрелища, инструментальную эксцентрику, участие в апофеозе музыки. Подобные монстр-концерты были очень популярны. Например, в 1869 году в Рио-де-Жанейро состоялся концерт, в котором участвовало 32 музыканта за16 фортепиано.
Но по- настоящему яркий след в развитии романтического фортепианного ансамбля оставил Ф.Лист. Он первым начал культивировать исполнение оркестровых, оперных, органных, вокальных транскрипций для двух фортепиано. Тем самым популяризируя лучшие произведения композиторов классиков, свои собственные и современников-романтиков.
Н.Альберти, увертюра-фантазия на темы из оперы Д.Верди «Эрнани»
5
Здесь хорошо…Взгляни, вдали огнём горит река,
Цветным ковром луга легли, белеют облака.
Здесь нет людей…Здесь тишина…
Здесь только бог, да я,
Цветы, да старая сосна, даты- мечта моя! .
Рахманинов «Здесь хорошо».
№6
О, танец! Ты – мечты моей стремленье
Прекрасней ничего на свете нет,
Чем торжество любви и вдохновенья,
Оваций восхитительный букет!
Фокстрот и танго, джайв и тарантелла,
Король всех танцев старый, добрый вальс.
И музыки чарующая сила
Несет и кружит в звездном вихре вас!
Здесь буйство красок, нежных чувств мгновенья,
Мельканье рук, движенье бедер, ног...
О, танец! Ты – великое творенье,
Волнующий, божественный восторг!
Но иногда этому божественному восторгу композиторы придают лёгкий оттенок иронии, шутки и тогда рождается примерно вот что.
Щуровский «Юмористический танец»
№8 Произведение, которое вы сейчас услышите, любимо многими людьми. Оно очень известно и популярно во всем мире. «Турецкое рондо» Вольфганга Амадея Моцарта привлекает красотой мелодий, изяществом, блеском. В этом произведении В. А. Моцарт изобразил удары большого турецкого барабана, неизвестного в те времена в Европе. «Турецкое рондо» («Rondo alla turca») часто звучит в виде самостоятельной пьесы, хотя написано оно было как третья часть сонаты для фортепиано ля мажор.
«Турецкое рондо» иногда называют «Турецким маршем» (хотя сам Моцарт так его не назвал). Название «Турецкий марш» появилось из-за того, что эта музыка очень ритмичная и напоминает марш, хотя в ней чувствуется и танцевальность.
«Rondo alla turca» Моцарта в оригинальной современной обработке
№7
Ещё более значение фортепианного ансамбля возросло в 20 веке. Оно было обусловлено требованиями современной фортепианной техники, подразумевающей виртуозное, профессиональное владение инструментом обоих исполнителей. Требовался репертуар повышенной сложности, что и явилось причиной создания блестящих произведений для фортепианного ансамбля, ставших высочайшим достижением мировой музыкальной культуры.
И сегодня фортепианный ансамбль остаётся любимым жанром. Профессиональные пианисты-солисты всё чаще объединяются в дуэты. Наиболее известные из них – это братья Готлибы, сёстры Туркины. Брук и Тайманов, Бахчиев и сорокина, Новик и Хараджанян. Б.Ерзакович, фантазия на тему «Япурай»
№9 Зажигательный «Танец с саблями» А.Хачатуряна из балета «Гаяне» стал поистине визитной карточкой композитора. Вокруг этого произведения ходило множество слухов. Так, говорили, что «Танец с саблями» заставлял притопывать в такт самого Сталина, и что именно поэтому его чуть ли не каждый день исполняли по радио. Молва так же гласила, что этот танец где-то в 50-х или 60-х попал в Книгу рекордов Гиннеса как самое популярное и наиболее часто исполняемое музыкальное произведение. Благодаря «Танцу с саблями» во многих странах мира за его автором утвердилось прозвище «мистер Танец с саблями». А в это время сам Хачатурян называл свою самую знаменитую пьесу «непокорное и шумливое дитя». Он и сочинил-то его не по собственной воле, а по настоятельному требованию постановщика балета (причем, сочинил буквально за один вечер). Когда Арам Ильич отдавал балетмейстеру ноты, он написал на них: «Черт возьми, в угоду балету!».
Хачатурян «Танец с саблями»
№10. Это одно из самых известных произведений С. Рахманинова.1
Представляет интерес история создания произведения. Все романсы ор. 34, в который входит и «Вокализ», были написаны в июне 1912 года. Известно, что 1 сентября того же года они были проданы издательству А. Гутхейля и уже в следующем году вышли в свет. Но для завершения работы над «Вокализом» композитору понадобилось три года, если считать со времени первого наброска романса, сделанного весной 1912 года. Чистовая рукопись (второй редакции произведения) датируется даже позже того времени, которое указал сам композитор - сентябрем 1915 года.
«Весной 1915 года Рахманинов показал 1-ю редакцию «Вокализа» А. В. Неждановой. Тогда же, прислушавшись к ее замечаниям, сделал несколько исправлений карандашом в вокальной партии, занося в партитуру также исполнительские штрихи и нюансы. Благодарный композитор подарил певице первый вариант рукописи. С тех пор в течение восьмидесяти лет автограф находился в библиотеке А. В. Неждановой.
1 Трогательную историю об отношении самого С. Рахманинова к этому своему произведению рассказал великий скрипач XX века Натан Мильштейн, лично знавший и много общавшийся с композитором: «Как-то раз мы с Пятигорским приехали, не условившись заранее, к Рахманинову домой - как всегда, около четырех часов дня. Пятигорский был с виолончелью, я - со скрипкой. Дверь нам открыла прислуга: «Тихо, тихо - хозяин спит...» (Днем, после русского обеда, Рахманинов обыкновенно отдыхал. Дом в это время замирал.) На цыпочках мы с Пятигорским вошли в гостиную. На пюпитре увидели ноты рахманиновского «Вокализа», который мы оба знали очень хорошо. Не сговариваясь, мы оба вынули инструменты из футляров и стоя начали играть «Вокализ» - тихо-тихо, в унисон, с разницей в октаву. Вдруг к нам вышел Рахманинов. Заспанный, он был похож на арестанта со своей короткой стрижкой и в полосатой пижаме с поднятым воротником. Без слов он подошел к роялю и, тоже стоя, подыграл нам аккомпанемент - но как! Когда мы все доиграли «Вокализ» до конца, Рахманинов все так же безмолвно ушел из комнаты - со слезами на глазах...». – «Московские Новости», 2002, № 1. 1 Парадокс этого замечательного произведения, однако, заключается в том, что оно звучит чаще не в своем оригинальном - вокальном – варианте, а во всевозможных переложениях – для разных составов оркестров (симфонического2, камерных), едва ли не для всех инструментов, поскольку предоставляет исполнителям исключительную возможность продемонстрировать красоту звучания своего инструмента и мастерство кантилены на нем.
Рахманинов «Вокализ»
№11 ДАРИУС МИЙО— французский композитор, дирижёр, музыкальный критик и педагог. Мийо считается одним из самых плодовитых композиторов XX века - его перу принадлежат 16 опер, 14 балетов, 13 симфоний, кантаты, камерные сочинения, музыка к кинофильмам и театральным постановкам - всего 443 сочинения, не считая неизданных. А я предлагаю вам познакомиться с 3 частью весёлой сюиты «Скарамуш» Дариуса Мийо, которая вам,наверняка, очень понравится.
Она была написана для учеников педагога по фортепиано Маргариты Лонг - Иды Янкелевич и Марсель Мейер. Сюита впервые исполнялась в 1937 году на Всемирной выставке в Париже. Она стала настолько популярной, что стала неизменным украшением многих концертов.
Мийо «Бразильера». 3 часть сюиты «Скарамуш»
№12 Мало, кто знает поразительную историю происхождения танца "Сиртаки". На самом деле, Сиртаки появился не так давно, в 1964 году на съемочной площадке фильма "Грек Зорба". И появился танец, надо сказать, очень спонтанно. По сценарию фильма, его главный герой, которого играл Энтони Куинн, должен был показать национальный греческий танец Бэзису. Сцену на пляже предполагалось сделать достаточно короткой, примерно на две минуты. Поэтому перед режиссером Майклом Какоянисом появилась нелегкая задача, найти музыканта, который бы написал музыку к этой сцене, да так, чтобы за две минуты успеть передать всю энергию греческого танца и заставить поверить в то, что это действительно национальный танец. Столь нелегкое задание Какоянис доверил греческому композитору Микису Теодоракису. И он с ним справился блестяще. Сам танец, который, кстати, назывался "Танец Зорбы", был придуман Энтони Куинном. И чтобы он был максимально похож на греческий, Энтони Куинн лично тренировался технике танца у местного населения. А поскольку фильм целиком снимался на острове Крит, то Куинн учился танцевать наиболее популярные национальные критские танцы - Сиртос и Пидихтос. Придуманный Энтони Куинном танец был буквально склеен из Сиртоса вначале танца и Пидихтоса во второй (быстрой) части танца. Отсюда и появился, ставший безумно популярным, ускоряющийся ритм национального греческого танца.. Дело в том, что перед съемкой сцены на пляже, Энтони Куинн сломал ногу, и над съемочной группой нависла угроза вообще остаться без этой сцены. Но Куинн убедил режиссера Майкла Какояниса, что способен станцевать "Танец Зорбы", даже выполняя сложные взмахи ногами. Естественно, сложные элементы в танце так и не были реализованы, но танец получился по своему оригинален и притягателен. После съемки сцены Энтони Куинн рассказал, что нога болела настолько, что ее невозможно было оторвать от земли, не то чтобы, прыгать или делать взмахи. Но Куинн нашел безболезненный способ перемещать больную ногу - он волочил ее по песку. Отсюда и появился этот плавный и скользящий шаг в Сиртаки. Название "Сиртаки" новому танцу придумал сам же Энтони Куинн, и происходило оно от названия танца "Сиртос" в уменьшительно-ласкательной форме. "Танец Зорбы" настолько тронул греков, что молниеносно стал самым популярным греческим танцем и очень скоро на законодательном уровне был признан национальным греческим танцем. Во всем мире "Танец Зорбы" стал известен как танец "Сиртаки", а сам танец стал одним из главных символов Греции.
«Сиртаки» обработка Назарова