Конспект открытого урока по литературе Новые тенденции в развитии русского искусства на рубеже веков. Модернизм и декаданс (11 класс)

Конспект открытого урока по теме:
Новые тенденции в развитии русского искусства на рубеже веков. Поиски новых принципов изображения действительности в искусстве и самовыражения его творцов. Модерн и декаданс.
Учитель: Тюленева В.А.
Филиал №2 ГБОУ ВСОШ
Серебряный век русской поэзии.
Урок № 1. Общественная жизнь России на рубеже 19 – 20 веков.
Философская мысль рубежа веков.
Мы переживаем сейчас бурный взрыв интереса к культуре Серебряного века. Изучение культуры Серебряного века должно не только раскрыть сложные духовные, философские искания рубежа 19 – 20 веков, но и способствовать развитию художественного вкуса учащихся. А художественный вкус большинства учащихся нашей школы, можно сказать, вообще не развит, так как воспитан на образцах: «Сижу на нарах…», «Галка, Галка, ты гадюка, от тебя страдает вся округа». Порою, даже читателю, более подготовленному, сложно понять выраженные в стихотворениях поэтов Серебряного века чувства и мысли. Ведь изучение поэзии Серебряного века предполагает у учащихся способность абстрагирования, ассоциативного мышления, наличие богатого воображения, фантазии, определенных знаний философии. (Абстрагирование – один из способов нашего мышления. Его результат образование наиболее общих понятий и абстракций). Как добиться, чтобы многочисленные «измы» не навеяли скуку, не заслонили переживания, настроения, которые должна вызывать поэзия. Вести разговор о поэзии Серебряного века невозможно, не связав ее с авангардом культуры рубежа веков. Поэтому обзорная тема второго урока определяется:
Урок № 2. Новые тенденции в развитии русского искусства на рубеже веков. Поиски новых принципов изображения действительности в искусстве и самовыражения его творцов.
Вопросы к учащимся:
Как понимаете слова «изображение действительности»?
Дать определение реализма как направления в искусстве? (направление в искусстве, ставящее целью правдивое воспроизведение действительности в ее типических чертах)
ПОРТРЕТНАЯ ЖИВОПИСЬ

lefttop
Потрет «Струйской» Ф.С. Рокотов
Любите живопись поэты.
Любите живопись, поэты!
Лишь ей, единственной, дано
Души изменчивой приметы
Переносить на полотно.
Ты помнишь, как из тьмы былого,
Едва закутана в атлас,
С портрета Рокотова снова
Смотрела Струйская на нас?
Ее глаза – как два тумана,
Полуулыбка, полуплач.
Ее глаза – как два обмана,
Покрытых мглою неудач.
Соединенье двух загадок,
Полувосторг, полуиспуг,
Безумной нежности припадок,
Предвосхищенье смертных мук
Когда потемки наступаютИ приближается гроза,Со дна души моей мерцаютЕе прекрасные глаза.1953
Н. Заболоцкий
(Сведения о Струйской смотри в «примечаниях»)
Пейзажная живопись.
Весна в изображении русских художников:

lefttop
Стихотворение Ф.Тютчева. (на его фоне звучит романс С. Рахманинова )
Весенние воды
Еще в полях белеет снег,
А воды уж весной шумят -
Бегут и будят сонный брег,
Бегут и блещут, и гласят...
Они гласят во все концы:
"Весна идет, весна идет!
Мы молодой весны гонцы,
Она нас выслала вперед!"
Весна идет, весна идет!
И тихих, теплых майских дней
Румяный, светлый хоровод
Толпится весело за ней.
1836 год
Я сознательно использую на уроках литературы произведения живописи. Особенно считаю это оправданным в разговоре о поэзии Серебряного века. Так как опора на зрительное восприятие очень эффективна, ибо делает более понятными сложные явления культуры Серебряного века. К тому же у большинства современных молодых людей, как утверждают психологи и педагоги, преобладает клиповое мышление, воспитанное на «картинке». Можно заметить, что в чёрно-серой однообразной повседневности наших обучающихся встречи с яркими произведениями искусства, с интересными людьми (поэт В.В.Лязин) являются праздником.
На рубеже 19 - 20 веков в искусстве возникли модернистские течения (модерн - современный) Модернисты порывали с традицией, с реализмом, отказывались от старых форм и ратовали за поиск новых эстетических форм, технических приемов, порой формальных экспериментов. Почему я стремлюсь познакомить учащихся с художественными особенностями модернизма? Потому, что на уроках часто спрашивают: «Кто такой Малевич? Что такое абстракционизм? Что такое сюрреализм? Что такое авангард?…»
Для восприятия наших учащихся это достаточно сложный аспект данной темы. Нет легко узнаваемых предметов. Многие произведения вызывают у них недоумение, а иногда и насмешку. Поэтому объяснение материала строю от понятного к более сложному.
П.А. Белов. (справку об этом художнике смотри в примечаниях)
Беломорканал
Вопросы:
Что вы знаете о строительстве Беломорканала? (учитель дополняет материалом из справки. См. ниже)Как вы думаете, что обозначает эта коробка? (популярные, дешевые папиросы)
В чем заключается метафоричность данной картины? (метафора – употребление слов в переносном смысле по аналогии.)
Хочется отметить, что учащиеся предложили использовать эту картину в качестве антирекламы курения.
Беломо́рско-Балти́йский кана́л (сокращённо Беломорканал, ББК, до 1961 г. — Беломорско-Балтийский канал имени Сталина) — канал, соединяющий Белое море с Онежским озером и имеющий выход в Балтийское море и к Волго-Балтийскому водному пути.
Построен между 1931 и 1933 годами в рекордно короткий срок. Открыт 2 августа 1933 года. Строительство велось силами заключённых ГУЛАГа. Это была одна из значительных строек первой пятилетки и первое в СССР полностью лагерное строительство. Всего за все время строительства канала отправлено сюда было более 250 тысяч человек, из которых погибло 12 800 человек. (Более подробную справку смотри в примечании)
Портреты.
«Проталина» портрет М. Булгакова

Портрет Пастернака

Гамлет
Гул затих. Я вышел на подмостки.
Прислонясь к дверному косяку,
Я ловлю в далеком отголоске,
Что случится на моем веку.
На меня наставлен сумрак ночи
Тысячью биноклей на оси.
Если только можно, Aвва Oтче,
Чашу эту мимо пронеси.
Я люблю твой замысел упрямый
И играть согласен эту роль.
Но сейчас идет другая драма,
И на этот раз меня уволь.
Но продуман распорядок действий,
И неотвратим конец пути.
Я один, все тонет в фарисействе.
Жизнь прожить - не поле перейти.
1946
Потрет Всеволода Мейерхольда

Даю дополнительные сведения о Мейерхольде. Учащиеся достаточно легко и правильно комментируют эти портреты. Сравниваем эти портреты с портретами писателей на стенде кабинета литературы. И делаем вывод. Что реальные явления можно изобразить необязательно сценами из реальной действительности.
Кузьма Сергеевич Петров – Водкин
Купание красного коня

автопортрет
В 1912 г. Петров – Водкин написал картину, принесшую ему громкую известность и вызвавшую много споров. Это было «Купание красного коня».
В словаре символов Джека Трессиддера красный цвет «активный, мужское начало, цвет жизни, огня, войны, энергии, агрессии, революции, страсти, радости, здоровья, физической силы и молодости. В христианстве красный – символ самопожертвования Христа, его Страстей, он был так же эмблемой воинов Господа – крестоносцев, кардиналов и паломников».
На картине почти всю плоскость холста заполняет огромная, могучая фигура красного коня с сидящим на нем юным всадником. В гордой голове и умном взгляде глаз – уверенность и величие. По контрасту с конем хрупким и слабым кажется всадник – обнаженный мальчик – подросток. Рука его лежит на поводе, но он, как бы подчиняется уверенной поступи коня. Эта картина, в которой художник переживает приближение будущего, еще неясного, недоступного его уму. Он словно предчувствует и грядущие беды, и радости.
В 1925г. Петров – Водкин возвращает красного коня на одном из своих полотен, которое он называет «Фантазия». Не та ли это степная кобылица из стихотворения А. Блока «На поле Куликовом».
Фантазия
…И вечный бой! Покой нам только снится
Сквозь кровь и пыль...
Летит, летит степная кобылица
И мнет ковыль...
И нет конца! Мелькают версты, кручи...
Останови!
Идут, идут испуганные тучи,
Закат в крови!
Закат в крови! Из сердца кровь струится!
Плачь, сердце, плачь...
Покоя нет! Степная кобылица
Несется вскачь!
7 июня 1908
Не она ли навеяла С. Есенину строки из стихотворения «Не жалею, не зову, не плачу»
…Я теперь скупее стал в желаньях,
Жизнь моя! иль ты приснилась мне?
Словно я весенней гулкой ранью
Проскакал на розовом коне…

Борис Кустодиев
Большевик

В 1919 году Кустодиев решил создать образ нового героя, который привел народ к победе над угнетателями, и написал картину "Большевик" (1919–20 г., ГТГ).
В поисках средств выражения, которые помогли бы ему найти возвышенный тон для задуманного произведения, Кустодиев впервые в своем творчестве прибегнул к аллегорическому решению. Он изобразил исполинскую фигуру с красным знаменем в руках, движущуюся через улицы Москвы.
Грандиозное полотнище флага, развеваясь на ветру, подобно пламени революционного пожара, пылает над городом и теряется за линией горизонта. Внизу, под великаном, по городским улицам и переулкам движутся потоки вооруженных людей. Простое русское лицо великана исполнено несокрушимой воли, его глаза горят, его могучие руки крепко сжимают древко. Перед ним, как последняя преграда, вырастает здание церкви – символ самодержавия, верная хранительница старых порядков. Зритель чувствует, что исполин так же легко перешагнет через нее, как он до этого переступал через дома и другие сооружения. (источник http://literatura5.narod.ru/kustodiev_bolshevik.html). На вопрос, согласны ли обучающиеся с таким комментарием этой картины, они отмечают, что большевик подавляет собою народ, кажется, что он идет по людям (не те ли это щепки, которые полетят в 30 – е годы). Да и выражение глаз им кажется беспощадным, безумно фанатичным. Художник как бы предвидит за непреодолимой мощью революционного движения грядущую трагедию сталинских репрессий.
Марк Шагал
автопортреты
Над городом
lefttop
Крылья  (Крылья легкие раскину)
Блок А.
Крылья лёгкие раскину,Стены воздуха раздвину,Страны дольние покину.
(Вейтесь, искристые нити,Льдинки звездные, плывите,Вьюги дольние, вздохните!)
В сердце - лёгкие тревоги,В небе - звёздные дороги,Среброснежные чертоги.
Сны метели светлозмейной,Песни вьюги легковейной,Очи девы чародейной.
И какие-то печалиИздали,И туманные скрижалиОт земли.И покинутые в далиКорабли.И какие-то за мысомПаруса.И какие-то над моремГолоса.
И расплёснут меж мирами,Над забытыми пирами -Кубок долгой страстной ночи,Кубок тёмного вина.
4 января 1907
В этой картине автор ищет пути, через которые он пытается пробиться к зрителю и принести свое видение мира людям. На этом полотне изображены художник и его супруга Белла. Они летят над Витебском, над родным городом. За ними остаются покосившиеся домики и полутьма.
В своем творчестве Шагал всегда стремился показать человеку насколько у него мало времени, а он тратит его впустую. Помимо этого, в понятие времени закладывались представления о человеческих воспоминаниях и пережитых эмоциях, о том, чего человек хочет, к чему стремится и о чем думает.
На этом полотне художник не старался детализировать образы и объекты, он просто старался погрузить нас в сон наяву. В мир волшебных воспоминаний и снов, в которых мы там, где хотим быть и делаем то, что хотим. В картине нет связи, однако, каждый, увидевший ее, не пройдет мимо, не оценив замысла и стиля.
Никакие физические рамки неведомы автору, поэтому его картины полны аллогичности и иррациональности. Поэтому действующие лица картины расположены так, что не подчиняются логике и физическим законам. А то, что их окружает, только лишь обыденность и воспоминания, которые будут всегда идти рядом. Эти парящие в небе души — изящны и грациозны, трепетны в своем романтическом мире влюбленных.
Все подчеркивает их близость и чувства. Это влюбленные и независимые от обыденности люди, без порока и алчности, только в своем, идеальном представлении об окружающем. Очень точны мелочи, это заметно по внешнему виду Беллы, по ее туфелькам и нарядному платьицу, по влюбленным глазам и проплывающему городу, признаку того, что все, что внизу сейчас их не касается и мирская жизнь немного подождет.
В полете они не обращают ни на что внимания, их не беспокоит прохладность воздуха и легкая затененность города, они сами по себе. Они едины в своем порыве любви.
С днем рождения.

В этой картине для передачи сильных ощущений так же использованы искажения и смелый цвет. Шагал верил, что мир воображения и эмоций более реален, чем реальная жизнь. Если вспомним поговорки «на седьмом небе», «голова идет кругом», «витает в облаках», то композиция Шагала становится более понятной.
Каземир Малевич
Автопортрет


Черный супрематический квадрат (1915) 79,5 х 79,5 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва
«Черный квадрат» - самое знаменитое полотно Малевича да, пожалуй, и всего русского авангарда. Чёрный цвет почти повсеместно представляет как цвет негативных сил и печальных событий. Он символизирует тьму смерти, невежество, отчаяние, горе, скорбь, зло… На футуристической выставке, состоявшейся в конце 1915 года, автор поместил ее в «красном углу», тем самым настаивая на «сакральном» характере» этого произведения. Картина вызвала шумные толки. А. Бенуа возмущался: «Несомненно, это и есть та икона, которую господа футуристы ставят взамен Мадонны... Черный квадрат в белом окладе - это один из актов самоутверждения того начала, которое имеет своим именем мерзость запустения и которое кичится тем, что оно через гордыню, через заносчивость, через попрание всего любовного и нежного, приведет всех к гибели...» Малевич отвечал ему: «Вы - тот, кто привык "разогреваться" перед хорошенькими, милыми личиками, - понимаете, как трудно извлечь какое-либо тепло из лица "квадрата"... Секрет состоит в самом акте творчества». Уже без полемического пафоса, доверительно, он сообщал, чуть позже М. Гершеизону: «Это форма какого-то нового живого организма. Квадрат сделался живым, дающим новый мир совершенством. Я на него совсем смотрю иначе, нежели раньше, это не живописное, это что-то другое. Мне пришло в голову, что, если человечество нарисовало образ Божества по своему образу, то, может быть, квадрат черный и есть образ Бога как существа его совершенства в новом пути сегодняшнего начала».

В. БрюссовТворчество
Тень несозданных созданий
Колыхается во сне,
Словно лопасти латаний
На эмалевой стене.
Фиолетовые руки
На эмалевой стене
Полусонно чертят звуки
В звонко-звучной тишине.
И прозрачные киоски,
В звонко-звучной тишине,
Вырастают, словно блестки,
При лазоревой луне.
Всходит месяц обнаженный
При лазоревой луне...
Звуке реют полусонно,
Звуки ластятся ко мне.
Тайны созданных созданий
С лаской ластятся ко мне,
И трепещет тень латаний
На эмалевой стене.
1 марта 1895
Оно вызывает недоумение. В тексте нет узнаваемых предметов.
Посмотрим живописные произведения художников - современников В. Брюсова.
Чюрленис.

Василий Кандинский. Абстракции.
\

В. Маяковский
А вы могли бы?
Я сразу смазал карту будня,
плеснувши краску из стакана;
я показал на блюде студня
косые скулы океана.
На чешуе жестяной рыбы
прочел я зовы новых губ.
А вы
ноктюрн сыграть
могли бы
на флейте водосточных труб?


Велимир Хлебников
Бобэоби пелись губы
Вээоми пелись взоры
Пиээо пелись брови
Лиэээй пелся облик
Гзи-гзи-гзэо пелась цепь
Так на холсте каких-то соответствий
Вне протяжения жило Лицо.
К. Сомов
Эхо прошлого времени

Борис Григорьев
Портрет С. Рахманинова

Пабло Пикассо
Портрет Воллара
Э. Кипренский. Портрет Львовой
К какому портрету вы можете отнести эти строки В. Хлебникова?
Кузнечик
Крылышкуя золотописьмомТончайших жил,
Кузнечик в кузов пуза уложил
Прибрежных много трав и вер.
"Пинь, пинь, пинь!" - тарарахнул зинзивер.
О, лебедиво!
О, озари!
Но был и другой Хлебников – поэт жесткого и мудрого зрения, благородной естественности.
Мне мало надо!..
Мне мало надо!
Краюшку хлеба
И капля молока.
Да это небо,
Да эти облака!
Сегодня снова я пойду...
Сегодня снова я пойду
Туда, на жизнь, на торг, на рынок,
И войско песен поведу
С прибоем рынка в поединок!
Безграничное словопроизводство в целях полного изгнания понятийности слова, создание «заумного языка», понятного лишь творцу, разрушение общепринятой лексики, необычное расположение строк в стихах приводило к созданию таких стихотворений.
В литературоведение это явление получило название формализма.
В истории искусства формализм — концепция, согласно которой художественная ценность произведения искусства всецело зависит от его формы. Формализм доминировал в современном искусстве с конца XIX до середины XX века.
В. Крученых
ВЕСНА ГУСИНА.
те ге не
рю ри ле лю бе тльк тлько хо мо ло ре к рюкпль крьд крюд нптр иркью би пу1913
Карусель.
Карусель – улица – кружаль – блестинкиБлестель – улица – сажаль – конинкиЦветель – улица – бежаль – летинки
Вертель – улица – смежаль – свистинкиВесель – улица – ножаль – путинкиВасилий Каменский
Весело. Вольно. И молодо.
Все Мир Новый рожаем.
С солнца червонное золото
Падает урожаем.
Звеним. Торжествуем. Беспечны.
Будто дети — великие дети,
У которых сердца человечны,
А глаза на весеннем расцвете.
Станем жить. Создавать. Вспоминая
Эту песню мою бирюзовую —
В дни чудесного волжского мая
Долю Разина — быль понизовую.
Декаденство (упадок). Это не литературное направление, это определенный взгляд на мир, тип сознания, возникающий, как правило, в кризисные эпохи, отличающийся чувством отчаяния, бессилия, душевной усталости, неприятием окружающего мира, осознанием себя носителем высокой погибающей культуры.

Зинаида Гиппиус
ВСЁ КРУГОМ
Страшное, грубое, липкое, грязное,
Жестко-тупое, всегда безобразное,
Медленно рвущее, мелко-нечестное,
Скользкое, стыдное, низкое, тесное,
Явно довольное, тайно-блудливое,
Плоско-смешное и тошно-трусливое,
Вязко, болотно и тинно застойное,
Жизни и смерти равно недостойное,
Рабское, хамское, гнойное, черное,
Изредка серое, в сером упорное,
Вечно лежачее, дьявольски косное,
Глупое, сохлое, сонное, злостное,
Трупно-холодное, жалко-ничтожное,
Непереносное, ложное, ложное!
Но жалоб не надо; что радости в плаче?
Мы знаем, мы знаем: всё будет иначе.
1904

…Нельзя ни плакать, ни молиться...
Отчаянье! Отчаянье!
Пугает кто-то мукой ада,
Потом сулит спасение...
Ни лжи, ни истины не надо...
Забвение! Забвение!
Сомкни плотней пустые очи
И тлей скорей, мертвец.
Нет утр, нет дней, есть только ночи...
Здесь, на земле, все кажется страшным. Поэтизация смерти становится одним из ведущих мотивов декаденства. Смерть выступает как желанное избавление от земных тягот и противоречий, как средство приобщения к потустороннему миру, который оказывается более значительным, более привлекательным чем живая действительность.
Ф. Сологуб

О смерть! Я — твой. Повсюду вижу
Одну тебя, — и ненавижу
Очарования земли.
Людские чужды мне восторги,
Сраженья, праздники и торги,
Весь этот шум в земной пыли…

С. Есенин
Упоенье — яд отравы,
Не живи среди людей,
Не меняй свои забавы
На красу бесцветных дней.
Все пройдет, и жизни холод
Сердце чуткое сожмет,
Все, чем жил, когда был молод,
Глупой шуткой назовет.
Берегись дыханья розы,
Не тревожь ее кусты.
Что любовь? Пустые грезы,
Бред несбыточной мечты.

Настоящее неприемлемо, а будущее страшнее еще больше, и , значит, нет другого выхода кроме смерти – вот подтекст мотивов угасания.

Ночь, улица, фонарь, аптека,Бессмысленный и тусклый свет.Живи еще хоть четверть века -Все будет так. Исхода нет.Умрешь - начнешь опять сначалаИ повторится все, как встарь:Ночь, ледяная рябь канала,Аптека, улица, фонарь.
Мунк «Крик»
Крик - Эдвард Мунк. 1893. Картон, масло, темпера, пастель. 91х73,5
Образец экспрессионизма, картина "Крик", как и многочисленные ее варианты, до сих пор является одним из самых загадочных шедевров мировой живописи. Многие критики полагают, что сюжет картины - плод больной фантазии психически нездорового человека. Кто-то видит в работе предчувствие экологической катастрофы, кто-то решает вопрос о том, какая именно мумия вдохновила автора на эту работу. За всеми мудрствованиями пропадает главное - эмоции, которые вызывает эта картина, атмосфера, которую она передает и идея, которую каждый зритель может сформулировать для себя самостоятельно.(Сведения о картине и авторе смотри в примечаниях)
Примечания.
Что же изобразил автор? Какой смысл вложил он в свою неоднозначную работу? Что хотел сказать миру? Ответы на эти вопросы могут быть разными, но все сойдутся в одном общем мнении - "крик" заставляет зрителя погрузиться в непростые размышления о себе самом и современной жизни.
Анализ картины "Крик"
Красное, огненно горячее небо накрыло холодный фьорд, который, в свою очередь, рождает фантастическую тень, схожую с неким морским чудовищем. Напряжение исказило пространство, линии сломались, цвета не согласуются, перспектива уничтожается.
Нерушимо ровным остается лишь мост, на котором стоят герои картины. Он противопоставлен тому хаосу, в который погружается мир. Мост - барьер, отделяющий человека от природы. Защищенные цивилизацией, люди разучились чувствовать, видеть и слышать. Две равнодушные фигуры вдали, никак не реагирующие на происходящее вокруг, только подчеркивают трагизм сюжета.
Помещенная в центр композиции фигура отчаянно кричащего человека, притягивает внимание зрителя в первую очередь. На обезличенном до примитива лице читается отчаяние и ужас, граничащие с безумием. Автору удалось скупыми средствами передать мощнейшие человеческие эмоции. В глазах страдание, широко открытый рот делает сам крик пронзительным и реально ощутимым. Поднятые руки, закрывающие уши, говорят о рефлекторном желании человека убежать от себя самого, прекратить этот приступ страха и безнадежности.
Одиночество главного героя, его хрупкость и уязвимость, наполняют всю работу особым трагизмом и энергетикой.
Автор использует сложную технику, в одной работе используя и масляные краски и темперу. Одновременно с этим колорит работы прост, даже скуп. Фактически два цвета - красный и синий, а также смешение двух этих цветов - и создают всю работу. Замысловатые, нереальные изгибы линий в изображении центральной фигуры и природы наполняют композицию энергией и драматизмом.
Зритель решает для себя вопрос: что же первично в работе - крик или деформация. Что в основе работы? Пожалуй, отчаяние и ужас проявившиеся в крике и породили деформацию вокруг, отзываясь на эмоции человека, природа реагирует подобным образом. В деформации можно также усмотреть "крик".
Исторические сведения о картине
Удивительно то, что эту работу Мунка несколько раз похищали злоумышленники. И дело не столько в колоссальной стоимости "Крика". Дело в уникальном и необъяснимом воздействии этой работы на зрителя. Картина эмоционально насыщенна и способна вызывать сильные эмоции. С другой стороны, самым неведомым образом, создав свой шедевр в самом конце 19 века, автор сумел предсказать трагичность и обилие катастроф века двадцатого.
Нужно добавить, что именно эта работа вдохновляла многих кинорежиссеров и сценаристов на создание фильмов самого разного толка. Впрочем, ни один из кинофильмов так и не приблизился по уровню трагизма и эмоциональности к шедевру Эдварда Мунка.
Николай Еремеевич Струйский, богатый пензенский помещик, преданно и отнюдь не взаимно любил поэзию. К несчастью, его слава, как поэта, не пережила его. Но, как все пииты, он был немного не от мира сего: устроил себе кабинет на самом верху огромного дома-дворца и назвал его Парнасом, все дни просиживал там, писал вычурные стихи, спускаясь оттуда на грешную землю часто лишь для того, чтобы отдать их печатать. При этом среди своих соседей прослыл он чудаком и оригиналом. «Всё обращение его было дико, а одевание странно», — писал его друг. Наверное, нелегко приходилось его красавице-жене: одержимый поэзией, он жил в каком-то другом измерении. Но союз их был счастливым.
Они поженились с Александрой Петровной в 1772 году. До этого, поэт уже был женат на своей ровеснице Олимпиаде Балбековой, они обвенчались в 1768 году и жили в Москве, но через год она умерла от родов, и в своих воспоминаниях о первой жене Струйский писал:
« Не знающу любви я научал любить!
Твоей мне нежности нельзя по смерть забыть!»
Безутешный вдовец, потерявший еще и дочек-близняшек, уехал в свое поместье Рузаевку и стал жить затворником. И вот однажды там произошла встреча-видение...
Юная Александра Петровна Озерова, дочь помещика Нижнеломовского уезда Пензенской губернии Озерова, была родственницей любимца Павла I, влиятельного графа П.Х.Обольянинова, женатого на ее кузине.
Когда Александра Петровна вышла замуж за Струйского, ей было семнадцать или восемнадцать лет. Вскоре после свадьбы супруги совершили путешествие в Москву, где Николай Ереемевич заказал своему старому доброму приятелю, художнику Рокотову, их фамильные портреты.
Два портрета молодоженов вошли в золотой фонд русской живописи.
Художнику удалось передать романтичность и порывистость поэтической натуры «странного барина». «Мерцающие краски, размытые контуры лица, горящие глаза — все это делает образ Струйского экзальтированным и несколько таинственным», — пишет искусствовед.
Но еще более загадочен и таинственен портрет юной Александры. Изящный овал лица, тонкие летящие брови, легкий румянец на щеках и такие задумчивые, выразительные глаза, чуть-чуть грустные, едва замечающие окружающее, а скорее, всматривающиеся куда-то вдаль, или внутрь себя, или в будущее.
Художник Рокотов, о котором Струйский, едва ли не единственный, оставил подобие воспоминаний и которого Николай Еремеевич весьма высоко ценил , согревался душой в этой семье, которая часто наезжала в Москву и приглашала любимого художника.
Сохранилась легенда о любви Рокотова к Струйской, видимо, навеянная особым тоном очарования и удачей таланта художника, создавшего ее портрет. Вряд ли это было на самом деле так, хотя, конечно, Александра Петровна не могла оставить равнодушным ничье сердце.
Хозяйство не досаждало, ее окружала атмосфера творчества и красоты. Дом, в котором они жили, был возведен по рисункам самого Растрелли. В столетнем саду, окружавшем его, можно было гулять по аллеям, по берегам проточных прудов или забрести в замысловатый кустарниковый лабиринт, мечтая, взирать на окружающую красоту... А потом к чаю спускался поэт и читал восторженные стихи.
До наших дней дошла одна из книг Струйского — «Еротоиды. Анакреонтические оды». Все «оды» в ней переполнены объяснениями в любви к той, которая звалась в стихах Сапфирой, а в жизни — Александрой, любимой женой.
В доме была прекрасная библиотека из авторов отечественных и заграничных, Струйский с молодости собирал ее и был тонким книжным ценителем, а затем к ним прибавились и роскошные книги, изданные в его собственной типографии. Картинная галерея была составлена в соответствии со вкусами того времени и вкусами хозяина.
Потомки поэта вспоминали, что у Струйских «везде висели фамильные портреты: в углублении большой гостиной, над диваном... портрет самого Николая Еремеевича, а рядом, тоже в позолоченной раме, портрет Александры Петровны Струйской, тогда еще молодой и красивой»
«в картинной галерее были известные художники русской и иностранной школы.
Была и еще одна тайна в фамильных портретах, она лишь недавно раскрыта искусствоведами. В доме хранился портрет молодого человека с нежными чертами лица, пышным галстуком и накидкой, драпирующей фигуру. На обороте портрета была загадочная зашифрованная надпись.
Александра Петровна Струйская пережила своего мужа-поэта на 43 года. Он часто бывал вспыльчив, но скорее пoэтически, нежели как самодур.
Его друг И.М. Долгоруков по доброму вспоминал его «со всеми его восторгами и в пиитическом исступлении».
Николай Еремеевич создал вокруг своей возлюбленной необычную для того времени атмосферу поклонения, восторга и творчества, духовного тепла и созидания. Он оставил после себя на многие годы освященный своей любовью воздух усадьбы Рузаевка, где выросли еще многие поколения дворян, сохранив в ней дыхание муз, среди них был поэт А. Полежаев. Он оставил своим наследникам главное богатство — блаженство творчества и красоты
Александра Петровна подарила мужу восемнадцать сыновей и дочерей, из которых четверо были близнецами и десять умерли в младенчестве. Но всю оставшуюся жизнь ее согревал пламень поэ тического вдохновения мужа.
А. П. Струйская была бабушкой поэта А.И.Полежаева — внебрачного ребенка ее сына Леонтия. Из всей семьи Струйских только у нее поэт находил ласку и заботу. До самой смерти, в 1838 году, Полежаев переписывался с Александрой Петровной и посылал ей свои стихи.
Посетившая ее в 1836 году Н.А.Тучкова-Огарева пишет о том приятном впечатлении, которое произвела на нее Александра Петровна.
Ей было восемьдесят шесть лет, когда она тихо покинула этот мир. А для нас она так и осталась той прекрасной, в легкой дымке загадки и очарования, немного грустной и едва улыбающейся молодой женщиной с портрета Рокотова.
Наверное, это была одна из самых красивых женщин «безумного осьмнадцатого столетья»...
Беломо́рско-Балти́йский кана́л (сокращённо Беломорканал, ББК, до 1961 г. — Беломорско-Балтийский канал имени Сталина) — канал, соединяющий Белое море с Онежским озером и имеющий выход в Балтийское море и к Волго-Балтийскому водному пути.
Построен между 1931 и 1933 годами в рекордно короткий срок. Открыт 2 августа 1933 года. Строительство велось силами заключённых ГУЛАГа. Это была одна из значительных строек первой пятилетки и первое в СССР полностью лагерное строительство. Всего за все время строительства канала отправлено сюда было более 250 тысяч человек, из которых погибло 12 800 человек.(Более подробную справку смотри в примечании)
Общая протяжённость канала — 227 километров. Включает 19 шлюзов. Награждён Орденом Трудового Красного Знамени в 1983 году. Считается гордостью первой пятилетки (1928—1932), но к числу «Великих строек коммунизма» не относится.
В 1930-х годах советское правительство обратилось к вопросу строительства канала. 3 июня 1930 года было принято решение о начале работ. 1 июля 1931 года были поданы на рассмотрение первые эскизные проекты строительства, а месяцем позже начались работы по проектированию на местности.
Хотя окончательный проект был утверждён в феврале 1932 года, к строительству приступили ещё в конце 1931-го, оно длилось 1 год и 9 месяцев (по другим источникам — 20 месяцев). В рекордно короткие сроки были построены более 100 сложных инженерных сооружений, проложено 2,5 тысячи км железнодорожных путей. Постройка совершалась без современной техники и без поставок от страны, практически вручную. В сооружениях канала применялись главным образом местные недефицитные строительные материалы: дерево, камень, грунт, торф.
Строительство велось в основном заключёнными ГУЛАГа, общая численность которых не превышает 126 тысяч человек, но это были не одни и те же люди, они постоянно менялись из-за большой смертности. В разные периоды строительства численность заключённых менялась, не превышая 108 тысяч. Подразделение ГУЛАГа на канале называлось Беломоро-Балтийский лагерь («БелБалтЛаг»). Заключённых, работавших на стройке, называли «каналоармейцами», по аналогии с красноармейцами — организаторы пытались придать строительству как можно более военизированную форму; употреблялись также слова «штаб», «рота» и т. п.
«Черный квадрат» - самое знаменитое полотно Малевича да, пожалуй, и всего русского авангарда. Впервые идея «черного квадрата» посетила художника во время работы над оперой «Победа над Солнцем» в 1913 году. Спустя два года появилась и сама картина. Она, в числе 39-ти супрематических работ Малевича, экспонировалась на Последней футуристической выставке «0,10», состоявшейся в конце 1915 года в петроградской галерее Н. Добычиной. Автор поместил ее в «красномуглу», тем самым настаивая на «сакральном» характере» этого произведения. Картина вызвала шумные толки, в которых эта «сакральность» не осталась незамеченной. Мирискусник А. Бенуа возмущался: «Несомненно, это и есть та икона, которую господа футуристы ставят взамен Мадонны... Черный квадрат в белом окладе - это один из актов самоутверждения того начала, которое имеет своим именем мерзость запустения и которое кичится тем, что оно через гордыню, через заносчивость, через попрание всего любовного и нежного, приведет всех к гибели...» Малевич отвечал ему: «Вы - тот, кто привык "разогреваться" тред хорошенькими, милыми личиками, - понимаете, как трудно извлечь какое-либо тепло из лица "квадрата"... Секрет состоит в самом акте творчества». Уже без полемического пафоса, доверительно, он сообщал, чуть позже М. Гершеизону: «Это форма какого-то нового живого организма. Квадрат сделался живым, дающим новый мир совершенством. Я на него совсем смотрю иначе, нежели раньше, это не живописное, это что-то другое. Мне пришло в голову, что, если человечество нарисовало образ Божества по своему образу, то, может быть, квадрат черный и есть образ Бога как существа его совершенства в новом пути сегодняшнего начала».
Евангелие от Казимира
Плоский белый фон обозначает бесконечность космического пространства, в котором нет ни перспективы, ни тяготения. Сам белый цвет содержит в себе спектр всех земных цветов — в определенном смысле, перед нами «потенция», в любой момент способная развернуться в яркую «многокрасочность».
Квадрат — это первоформа, из которой рождается абсолютно все. На картинах Малевича мы найдем и другие основные формы (круг, крест), но они уже не первичны, являясь производными квадрата, которые выделяются из него посредством определенных манипуляций.
В данном контексте квадратная форма может оказаться как «черной дырой», по кратчайшему пути ведущей в иные миры, так и первичным телом, плывущим в бесконечности. В любом случае, это вестник «иного».
Обратите внимание, что поверхность квадрата кое – где повреждена, что подчеркивает живописный характер работы. Он накладывал краски несколькими слоями. В последствии написал другие версии Черного квадрата в разных форматах. Их поверхности выглядят более совершенными, но в то же время менее живописными.
Новые тенденции в развитии русского искусства на рубеже веков. Поиски новых принципов изображения действительности в искусстве и самовыражения его творцов. Модерн и декаденс.
Мы переживаем сейчас бурный взрыв интереса к культуре Серебряного века. Изучение культуры Серебряного века должно не только раскрыть сложные духовные, философские искания рубежа 19 – 20 веков, но и способствовать развитию художественного вкуса учащихся. А художественный вкус большинства учащихся нашей школы, можно сказать, вообще не развит, так как воспитан на образцах: «Сижу на нарах…», «Галка, Галка, ты гадюка, от тебя страдает вся округа». Порою, даже читателю, более подготовленному, сложно понять выраженные в стихотворениях поэтов Серебряного века чувства и мысли. Ведь изучение поэзии Серебряного века предполагает у учащихся способность абстрагирования, ассоциативного мышления, наличие богатого воображения, фантазии, определенных знаний философии. (Абстрагирование – один из способов нашего мышления. Его результат образование наиболее общих понятий и абстракций). Как добиться, чтобы многочисленные «измы» не навеяли скуку, не заслонили переживания, настроения, которые должна вызывать поэзия. Вести разговор о поэзии Серебряного века невозможно, не связав ее с авангардом культуры рубежа веков. Поэтому обзорная тема второго урока определяется:
Новые тенденции в развитии русского искусства на рубеже веков. Поиски новых принципов изображения действительности в искусстве и самовыражения его творцов. Модерн и декаданс.
Вопросы к учащимся:
Как понимаете слова «изображение действительности»?
Дать определение реализма как направления в искусстве? (направление в искусстве, ставящее целью правдивое воспроизведение действительности в ее типических чертах)